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DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO.
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El presente proyecto surge a partir
de la obra que elaboré hasta octubre de 2006, donde trabajé con la
integración de formas humanas a la abstracción.
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En los anteriores cuadros era
evidente la presencia de formas del cuerpo muy definidas, que
algunas veces destacaban sobre los demás elementos del cuadro, en
otras se integraban de una manera armónica y en muchos otros casos
la composición resultaba tan abstracta que estos motivos se perdían
en ella.
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Esta producción me resultó muy
valiosa tanto en la parte conceptual como en la parte formal.
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De pintar figuración pasé a la
abstracción, cosa que resultó un cambio muy radical pero que también
me enseñó mucho en cuanto a la composición, al color, a no atenerme
a una sola forma al momento de plantear el cuadro, a crecer el
formato y a trabajar al respecto del mismo y a utilizar el espacio
en su totalidad, además de poder adecuar una idea a la imagen que
deseaba realizar.
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Esta producción ha sufrido un proceso
evolutivo que ha derivado en ésta serie inicial de pintura sobre
papel de gran formato.
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Dentro de éste proceso he revisado la
obra de varios autores del expresionismo abstracto, en particular de
Willem de Kooning, Helen Frankenthaler y Joan Mitchell y de otros
más contemporáneos como Cecily Brown.
■Las
obras que quiero realizar conforme a esta serie y a la continuación
de una idea que ya había estado trabajando las llamo CONSTRUCCIONES,
porque a partir de la mancha y de procesos técnicos que se
encuentran dentro de lo gestual se va construyendo la imagen en la
cual pueden verse otras construcciones de cuerpos y abstracciones
biomórficas haciendo una alusión al proceso de creación y
degeneración que sufre un ser humano, un desgaste físico y emocional
y el proceso de recuperación y regeneración, a lo largo de su vida.
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Mi intención es que las pinturas
mismas tengan esa cualidad de “inacabado”, pues a partir de la
gestualidad, las líneas y los elementos dibujísticos así como de
dejar áreas donde la superficie pueda respirar, sin atenerme al
principio del “All Over” tan común en el expresionismo abstracto, es
como pretendo resaltar ese ciclo creación-degeneración-regeneración
que resulta común en todo ser viviente.
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A través de las manchas que se hallan
en estas pinturas se construye algo, que bien puede desembocar en
múltiples variantes pero que nunca se queda estático, sino que está
en constante transformación.
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Es por esto que se constituyen como
CONSTRUCCIONES, que pueden quedar inconclusas, dejando abierta la
posibilidad de cambiar de muchas maneras.
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La producción que será realizada
dentro de éste proyecto comprende la elaboración de obra en papel.
Realizar obra en ésta superficie responde al deseo de experimentar
con materiales y procesos técnicos dentro de la búsqueda de un
lenguaje plástico diferente al que había estado manejando.
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La elección de papel no es fortuita
ya que el interés particular por éste soporte parte de la inmediatez
que presupone trabajar en el y de la distintas calidades de manchas
que ofrece el trabajar en una superficie al de una tela imprimada.
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Sobre el papel se trabajará con
medios como acrílicos y gouaches, que, al ser solubles en agua,
poseen un tiempo de secado más rápido, lo cual permitirá una mayor
producción de obras en los tiempos establecidos.
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La obra hecha con medios acuosos
permitirá hacer uso de la mancha a la manera del soak stain, de
trabajar con el accidente y de lograr un trabajo más espontáneo y
transparente, con elementos de dibujo que remiten a formas humanas o
abstracciones biomorfas.
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El dibujo y el cuerpo merecen una
mención aparte dentro de éste proyecto.
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A lo largo de la licenciatura y de mi
trabajo fuera de ella el dibujo ha constituido un medio de expresión
primordial muy aparte de considerarlo únicamente como una
herramienta de apoyo en la creación dentro de otras disciplinas.
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Sin embargo el concentrarme en los
talleres que estaba cursando y el no tener una clase o un lugar
donde pudiera desarrollar mi dibujo como una producción propiamente
artística hizo que comenzara a integrarlo como un elemento
primordial dentro de mi trabajo pictórico.
■Creo
que el dibujo puede ser capaz de revelar muchas más cosas que una
pintura.
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La pintura se construye poco a poco y
a veces puede ser mucho mas pensada.
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El dibujo tiende a ser más espontáneo
y, a mi parecer, habla más del interior de la persona, de sus
inquietudes y obsesiones y en este caso sirve para señalar la
importancia del cuerpo.
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En éste caso, el cuerpo humano,
específicamente el cuerpo masculino, ha sido una constante en mi
trabajo por que considero que el cuerpo es un compendio inagotable
de leguajes, sensaciones y emociones.
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En mis primeros trabajos figurativos,
comencé a trabajar con la figura masculina como una manera de hacer
evidente los sucesos que pueden ocurrir entre dos hombres dentro del
ámbito privado y como una forma de confrontar al espectador.
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Al momento de hacer abstracción esta
manera tan directa y agresiva cambió por algo más sutil para
establecer relaciones entre el cuerpo y diversos
elementos que pueden hablar de acciones y emociones como el color o
las texturas.
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Es aquí donde se integra el dibujo como un medio de canalización de
todas las ideas que intento plasmar en mis cuadros.
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En los primeros cuadros abstractos el
esgrafiado era utilizado de una manera tímida, dando importancia a
los elementos pictóricos como parte de estar aún inscrito en un
taller y trabajando bajo métodos de enseñanza muy particulares. Sin
embargo, con esta nueva producción el dibujo ocupa una parte
importante dentro de la composición como una manera de exteriorizar
los procesos y cambios que sufre el cuerpo.
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El dibujo también estará presente en
la bitácora de trabajo que pretendo realizar, recopilando imágenes,
bocetos, fotografías, etc., que servirá como registro del proceso
creativo.
JUSTIFICACIÓN.
■Comienzo
exponiendo aquí el proceso que he tenido y que me ha llevado hasta
estas últimas experimentaciones que voy a desarrollar.
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Posteriormente describiré los
objetivos generales y particulares y la proyección contemplada que
tendrá éste trabajo.
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La exploración dentro del campo de la
pintura abstracta se dio aproximadamente hace tres años.
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Hasta entonces el lenguaje en el cual
había desarrollado mi trabajo se mantenía dentro de la figuración,
haciendo referencia a acontecimientos que ocurrían fuera de la vista
de la mayoría de las personas, en lugares sórdidos, ocultos, como
cuartos de hotel o baños públicos, cargados con tintes eróticos u
homo-eróticos como una manera de hacer reaccionar al espectador ante
eso que prefiere callar y mantener en el anonimato.
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Sin embargo la temática y el hecho de
tener que atenerme a una composición con determinadas figuras en
torno a las cuales se establece el discurso del cuadro comenzó a
trasformarse en una actividad sumamente compleja e insatisfactoria,
amén de que cada cuadro establecía un contexto narrativo individual
que poco tenía que ver con el siguiente cuadro; si acaso podía
establecerse una relación de acuerdo a los motivos que cada obra
presentaba y que eran una constante (desnudos, interiores,
situaciones sexuales) pero no podría hablarse de una serie o un
proyecto como tal. He ahí que me vi en la necesidad de detenerme y
considerar el explorar nuevos lenguajes en donde existiera mayor
libertad a un trabajo que consideraba que no tenia muchas opciones
dentro de la pintura y por eso decidí trabajarlo dentro del dibujo.
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Fue entonces que empecé a explorar la
abstracción, comenzar a construir el cuadro únicamente en base a los
elementos formales y al proceso técnico. en un principio hice
experimentaciones y ejercicios de mediano formato, (de los cuales
sólo conservo uno) en base a armonías y analogías de color y más
tarde experimentando con contrastes por colores complementarios.
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Así mismo comencé el análisis del
trabajo de autores como Zao Wou-Ki y Lilia Carrillo como una manera
de comprender como es que cada autor utilizaba diferentes técnicas y
recursos plásticos que bien podía apropiarme al momento de comenzar
a construir delante de una tela en blanco.
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A través de la obra de éstos pintores
se dio un análisis de las propuestas plásticas del
informalismo español, en donde importaba más el lenguaje de la
materia y las texturas dentro del discurso que otros elementos como
podría ser el color.
■Sin
embargo me atrajo más el poder utilizar el color como una manera de
comunicar sensaciones, por eso también un antecedente es la obra de
Cordelia Urueta, porque además de poseer un excelente manejo del
color integra a sus obras elementos que, si bien no son
anatómicamente correctos, tienen reminiscencias de formas humanas,
lo cual es otra parte muy importante de la producción de ése
momento:
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La integración de personajes a
composiciones abstractas para señalar diferentes formas de
interacción entre uno o varios seres humanos con el espacio y el
color, como una forma de erotismo muy ingenuo o disfrazado
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La aparición del cuerpo comenzó a
gestarse por el interés particular que he tenido en el mismo y por
un afán de no desprenderme completamente de la figuración.
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Creo que el cuerpo humano constituye
por si mismo una serie de lenguajes y códigos posibles de descifrar
a través de las expresiones y el movimiento del mismo, de su color,
de la piel, etc.
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Además creo también que todos los
mensajes que transmite el cuerpo son enriquecidos cuando éste
interactúa con otros elementos.
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Esto fue lo que estuve trabajando en
una serie que denominé “ABSTRACTO-CORPORAL”, la cual comenzó a
mediados de 2005 y concluyo a principios del año pasado. Si bien se
dieron diferentes exploraciones en cuanto a la composición, al color
y a los recursos técnicos, puedo decir que éste lote de cuadros si
constituye una serie verdadera puesto que en todos los cuadros
explora esa manera en que el cuerpo transmite mensajes al espectador
a través del color, de las texturas, de los elementos gráficos,
etc., a pesar de que algunas composiciones sean abiertamente
figurativas y otras sean completamente abstractas.
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Es de aquí donde parte éste proyecto.
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Hubo un momento en que la constante
fluctuación entre figura y abstracción me llevó a pensar en darle un
giro radical a la forma en que había estado pintando a lo largo de
dos años y volver a la más pura de las figuraciones como una manera
de deshacerme de las influencias e ideas en cuanto a la pintura que
me había transmitido mi estancia en los talleres escolares de
producción.
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Sin embargo el cortar de tajo con
algo que había representado todo un proceso de aprendizaje dentro de
nuevos lenguajes pictóricos significó un cambio demasiado violento
dentro de mi producción. ¿Para qué terminar algo que todavía
representaba muchas posibilidades para mi y regresar a algo que
abandoné por una insatisfacción?
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El hacer abstracción me enseñó a considerar la pintura como un todo,
no únicamente como una serie de elementos menores que discurren en
torno a una o varias figuras claves en la composición del cuadro.
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La abstracción significa para mi el
reunir todos los elementos que constituyen el cuadro y trabajarlos
de una manera en la que no me siento atado a una sola idea o a una
imagen que ronda en mi cabeza, sino que esta idea o imagen puede
tener múltiples variables que surgen a través del color, de la
mancha, la línea, las texturas reales o virtuales, los silencios,
etc.
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